Quando organizzi un viaggio per girare un documentario, avere una direzione è fondamentale. Avere un programma rigido, invece, può distruggere la produzione.

Puoi pianificare tappe, pernottamenti, mezzi e una logistica di base. Ma devi lasciare spazio agli imprevisti, agli incontri, alle opportunità narrative e a tutto quello che cambia quando sei davvero sul posto. È qui che entra in gioco una figura decisiva: il fixer locale.

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Ci sono viaggi che puoi affrontare con grande spontaneità, adattandoti strada facendo. E poi ci sono produzioni documentaristiche che, se non inizi a prepararle mesi prima, rischiano di bloccarsi ancora prima della partenza.

Quando l’obiettivo è portare a casa un film complesso, non basta scegliere una destinazione e mettere una videocamera nello zaino. Servono ricerca, mappe, contatti, una troupe affidabile, attrezzatura disponibile, budget e, in alcuni casi, una quantità importante di permessi.

La differenza principale è questa: alcuni progetti sono complessi per la logistica, altri per la burocrazia. Spesso, naturalmente, per entrambe.

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Come si costruisce un’inquadratura capace di catturare l’attenzione? Quali regole rendono un’immagine equilibrata e cinematografica? E come possiamo assicurarci di raccogliere tutto il materiale necessario per realizzare un video di viaggio coinvolgente?

Oggi passiamo in rassegna alcune nozioni fondamentali riguardanti la composizione dell’immagine e le tecniche di ripresa, passando per i principi fondamentali del linguaggio visivo e per la loro applicazione pratica sul campo.

Scopri subito come utilizzare linee, prospettive e profondità per valorizzare ogni scena, come scegliere gli elementi da includere nell’inquadratura e come realizzare immagini di copertura efficaci, capaci di dare ritmo e continuità al racconto in fase di montaggio.

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13. Regole di Composizione: come costruire inquadrature che guidano lo sguardo

Che cosa rende un’inquadratura davvero equilibrata? E come possiamo guidare lo sguardo dello spettatore verso ciò che conta?

Scopriamo i principi fondamentali della composizione cinematografica, dalla regola dei terzi alla spirale aurea, imparando a gestire lo spazio, bilanciare gli elementi visivi e utilizzare linee e prospettive per costruire immagini più armoniose ed espressive.

14. Sette segreti per composizioni video perfette

Come possiamo trasformare una semplice ripresa in un’immagine capace di catturare immediatamente l’attenzione?

Approfondiamo sette regole pratiche per migliorare la composizione dei nostri video, sfruttando simmetrie, linee guida, profondità e soggetti dominanti. Vedremo anche come applicare la regola dei 180 gradi per mantenere la continuità visiva nelle scene e nei dialoghi.

15. Composizione: come riempire una scena e rendere più forti i video di viaggio

Uno scenario spettacolare è sufficiente per ottenere una buona ripresa? Non sempre. Spesso basta cambiare prospettiva o scegliere una focale diversa per trasformare completamente il risultato.

Impariamo come sfruttare gli elementi in primo piano, gestire gli spazi vuoti e scegliere la giusta lunghezza focale per valorizzare soggetti e ambienti, eliminando le distrazioni e rendendo ogni inquadratura più efficace e funzionale al racconto.

16. Immagini di copertura: come girarle per migliorare un video di viaggio

Quanto contano le riprese apparentemente secondarie nella costruzione di un documentario? E come possiamo realizzarle in modo che siano davvero utili durante il montaggio?

Vediamo come girare immagini di copertura stabili, fluide e varie, utilizzando panoramiche, movimenti di camera, slow motion e dettagli. Scopriremo anche come gestire la durata delle riprese e raccogliere il materiale necessario per dare continuità, ritmo e profondità ai nostri video di viaggio.

Dalla teoria alla pratica: imparare a guardare prima di girare

Trovare una buona storia è solo l’inizio. Bisogna saperla riconoscere, approfondire, costruire e infine organizzarsi per raccontarla attraverso le immagini.

Con queste quattro nuove lezioni continuiamo il percorso della Travel Film School, affrontando aspetti concreti del lavoro di un travel filmmaker, dalla ricerca creativa alla produzione sul campo.

Le quattro nuove lezioni complete sono già disponibili per gli abbonati Premium.

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La composizione è una delle competenze che fa davvero la differenza nei video di viaggio e nei documentari. Non basta puntare la camera verso qualcosa di interessante: bisogna capire cosa includere, cosa lasciare fuori e quale elemento può dare un senso alla scena.

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Sembrano le riprese più semplici da fare, ma sono tra le più delicate. Devono essere belle, stabili, precise e pensate con un minimo di metodo. Sono proprio questi pochi secondi a far salire tantissimo la qualità percepita di un filmato.

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Comporre bene significa decidere dove deve andare lo sguardo, quale elemento racconta davvero la scena e che cosa può essere eliminato. Queste sette regole aiutano a trasformare inquadrature comuni in immagini più cinematografiche, leggibili e memorabili.

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Una buona composizione rende l’immagine equilibrata, piacevole e capace di portare l’occhio esattamente dove vuoi tu. Le regole sono un ottimo punto di partenza, ma non vanno applicate in modo meccanico. Il vero obiettivo è capire perché funzionano e, soprattutto, quando romperle con intenzione.

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A tutti è capitato almeno una volta nella vita. Partire, trovarci dall’altra parte del mondo magari, incontrare una persona mai vista prima e finire a condividere esperienze, racconti e conversazioni che probabilmente non avremmo mai avuto con una persona incontrata tutti i giorni. Magari abbiamo passato una serata insieme in un bar, visitato insieme un monumento o condiviso una piccola parte del nostro viaggio, per poi salutarsi e proseguire nuovamente ognuno per la propria strada. Moltissime di queste conoscenze, infatti, finiscono in concomitanza con il ritorno a casa, non proseguono una volta saliti sull’aereo per far ritorno al quotidiano, ma spesso lasciano impresse nella mente e nel cuore dei ricordi indelebili. Al punto che, diversi anni dopo, basti ripensare a un luogo specifico per ricordare quei precisi momenti, quelle conversazioni e quelle sensazioni. E il motivo è chiaro: durante un viaggio, lontani dalle abitudini, siamo spesso più disponibili ad aprirci con una persona a noi sconosciuta (pensiamo a Roberto in Il sorpasso).

Ma non sempre è così. Sarebbe troppo bello pensare che basti partire, soprattutto durante un periodo complicato della propria vita, per lasciarsi alle spalle preoccupazioni, insoddisfazioni e problemi che ci accompagnano da tempo. Anzi, molte volte accade il contrario: trovarsi in un luogo diverso da quello a cui siamo abituati, lontani dalle persone e dalle attività che normalmente occupano le nostre giornate, può finire per amplificare ulteriormente quei pensieri che cerchiamo di ignorare. Le distrazioni esterne diminuiscono, il tempo per riflettere aumenta e quella distanza geografica che speravamo potesse aiutarci a stare meglio rende più evidente ciò che non funziona nella nostra vita. In questa fase di transizione, se così possiamo definirla, si incontrano quasi per magia (o insonnia) i due personaggi principali del film di cui vogliamo parlare oggi. Due persone agli antipodi della propria vita, Bob e Charlotte, sono i protagonisti di Lost in Translation, film realizzato nel 2003 da Sofia Coppola e disponibile a noleggio su Prime Video.

Bob Harris (Bill Murray) è un attore americano di mezza età, lontano dal periodo aureo della sua carriera, arrivato a Tokyo per girare una pubblicità di una marca di whisky della Suntory. Charlotte (Scarlett Johansson), invece, è una giovane donna da poco laureata che ha accompagnato il marito fotografo durante un viaggio di lavoro in Giappone, ritrovandosi però costantemente da sola mentre lui è impegnato nei set. Entrambi i “turisti” soggiornano al Park Hyatt Tokyo, un lussuoso hotel che guarda dall’alto tutta la città e nel quale trascorrono le giornate tra insonnia, noia e una solitudine crescente. Proprio durante una notte insonne, i loro sguardi si incrociano nel bar dell’hotel dando il via a una conoscenza che in pochi giorni diventerà un legame sempre più profondo. Bob e Charlotte, tra passeggiate, cene e serate karaoke, iniziano a condividere esperienze e pensieri personali, trovando l’uno nell’altra una compagnia capace di farli sentire meno dei pesci fuor d’acqua. Il loro è un rapporto nato per caso, con la consapevolezza di entrambi che sarà destinato a durare solamente per il loro soggiorno nella terra del Sol Levante.

Lost in Translation è uno di quei film in cui il viaggio assume un significato particolare, così come le atmosfere che riesce a restituire. La parabola di Bob e Charlotte ci mostra come trovarsi lontano da casa possa cambiare la percezione che abbiamo di noi stessi, della nostra vita e delle persone che ci circondano, soprattutto quando ci troviamo ad attraversare un momento di difficoltà personale. I due protagonisti, infatti, vivono due fasi opposte della propria esistenza ma al tempo stesso si trovano in un limbo dal quale faticano ad uscire: lei è giovane, ha terminato da poco gli studi e non sa ancora quale direzione prenderà il proprio futuro, anche a causa di un matrimonio nel quale fatica a trovare il sostegno di cui avrebbe bisogno; lui, invece, ha già alle spalle un lungo bagaglio di esperienze, una carriera di successo e una famiglia, ma sembra aver perso l’entusiasmo per molte delle cose che ha costruito nel corso degli anni. Due storie molto diverse, accomunate dalla stessa profonda sensazione di insoddisfazione, si incrociano durante un soggiorno in Giappone che, anziché distrarli dai loro pensieri, li rende più difficili da ignorare. Lo smarrimento che entrambi stanno vivendo li avvicina e permette loro di trovare nell’altro qualcuno disposto ad ascoltare e comprendere le proprie insicurezze, senza aspettative o giudizi di alcun tipo. Il bisogno di essere compresi diventa così la scintilla di un rapporto reso possibile da un viaggio che, al momento del ritorno, avrà assunto un significato del tutto diverso da quello che avrebbero potuto immaginare prima di partire.

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A rendere il film così affascinante è naturalmente Tokyo, città che Sofia Coppola ci permette di esplorare attraverso la stessa sensazione di spaesamento provata dai protagonisti. Ci troviamo nella capitale giapponese dei primi anni Duemila, una metropoli fatta di enormi insegne luminose al neon, giganteschi pannelli pubblicitari, strade e incroci affollatissimi, sale arcade, karaoke, ristoranti e grattacieli. Un luogo in cui la modernità sembra dominare ogni aspetto della vita quotidiana, ma che appartiene a un Paese dove continuano a convivere tradizioni e usanze profondamente radicate nella cultura locale (quest’anima emerge soprattutto quando Charlotte decide di fare un’escursione a Kyoto). Quello che ci viene mostrato sullo schermo è un Giappone profondamente filtrato attraverso gli occhi di due visitatori occidentali che non conoscono la lingua e faticano a comprendere ciò che accade intorno a loro. Una prospettiva inevitabilmente parziale del Paese, ma comunque in grado di trasmettere quella combinazione di curiosità, meraviglia e disorientamento che possiamo provare quando ci troviamo in un luogo altro rispetto alla normalità.

Il contrasto tra modernità e tradizione che caratterizza il Giappone è soltanto uno dei tanti strati su cui Sofia Coppola costruisce il proprio racconto. Un altro, ben più centrale per la comprensione del film, riguarda i due protagonisti e il rapporto che instaurano con la città, o più in generale con gli spazi che li circondano. Tokyo, sin dalle prime inquadrature, è chiassosa, piena di luci artificiali, praticamente una macchina pulsante apparentemente instancabile; eppure, Bob e Charlotte la attraversano spesso in silenzio, quasi incapaci di entrare veramente in relazione con ciò che hanno intorno (la confusione, sicuramente, è la cosa che più si porteranno a casa della città). Questa distanza è accentuata dalla barriera linguistica, che li rende estranei a gran parte delle conversazioni e delle situazioni quotidiane, anche quando, come nel caso di Bob, c’è una traduttrice pronta ad andare in suo soccorso. Ma il tema dell’incomunicabilità affrontato dalla regista va ben oltre la semplice questione della lingua, visto che caratterizza anche il progressivo deterioramento dei rapporti tra i protagonisti e i rispettivi partner. Basta pensare alle telefonate di Bob con la moglie e alle conversazioni piuttosto superficiali tra Charlotte e il marito, durante le quali, pur comunicando perfettamente in inglese, sembrano incapaci di esprimere ciò che provano. Perché dall’altra parte non sembra esserci nessuno realmente disposto ad ascoltarli.

La situazione si ribalta quando i due protagonisti si trovano insieme. Bob e Charlotte non sono tipi di mille parole, ma ciò che distingue il loro rapporto è la capacità di comprendersi senza dover necessariamente spiegare ogni pensiero o sentimento. Basta uno sguardo, una battuta scambiata al ristorante oppure un semplice momento trascorso in silenzio l’uno accanto all’altra per percepire la sintonia che si è creata tra loro. È questo paradosso a dare un significato più profondo al titolo del film: i due protagonisti si sentono persi in un Paese di cui non comprendono la lingua, ma è soprattutto nelle loro vite quotidiane che sembrano aver perso la capacità di comunicare con le persone più vicine. A rendere credibile questo rapporto è una sceneggiatura (scritta dalla stessa Coppola e premiata con l’Oscar) capace di raccontare l’evoluzione del legame tra Bob e Charlotte senza ricorrere a grandi colpi di scena, discussioni drammatiche o avvenimenti particolarmente straordinari. La loro conoscenza si sviluppa attraverso una successione di piccoli momenti apparentemente insignificanti: una chiacchierata al bar dell’hotel, una serata in giro per Tokyo oppure una conversazione notturna nella stanza di Charlotte. Quest’ultima scena rappresenta uno dei momenti più significativi dell’intero film, perché i due, sdraiati sul letto, iniziano a parlare delle rispettive vite, del matrimonio, delle aspettative e delle difficoltà che stanno attraversando, alternando domande sincere, risposte piuttosto disilluse e qualche battuta per alleggerire la conversazione.

Non assistiamo mai a una grande confessione in cui i personaggi mettono improvvisamente a nudo tutti i propri sentimenti, ma a uno scambio estremamente spontaneo, simile a quelli che potremmo avere noi stessi con una persona conosciuta durante un viaggio. Ed è questa naturalezza a rendere la loro relazione così coinvolgente: Coppola lascia che il rapporto si sviluppi gradualmente davanti ai nostri occhi, concedendoci il tempo necessario per conoscere i personaggi e comprendere quanto stiano diventando importanti l’uno per l’altra. Una scelta narrativa che dimostra come sia possibile costruire una storia coinvolgente anche attraverso situazioni quotidiane, senza sentire il bisogno di riempire continuamente il racconto di eventi o spiegazioni.

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Questa semplicità narrativa si riflette anche nelle scelte registiche, capaci di raccontare gran parte delle emozioni dei protagonisti attraverso le immagini e il modo in cui i personaggi si relazionano con gli spazi circostanti. Il Park Hyatt Tokyo, ad esempio, chiarisce bene questa dinamica: le camere, i corridoi e il bar sono ambienti ordinati, illuminati da luci soffuse e caratterizzati soprattutto da enormi vetrate che permettono di guardare la città dall’alto, mantenendo una certa distanza tra interno ed esterno. Una separazione che ritorna anche in altre sequenze del film, ad esempio quando Charlotte osserva Tokyo attraverso i finestrini dei taxi o quando Bob si riguarda in TV, tutte scene in cui i personaggi sono circondati dai riflessi delle luci e degli edifici che scorrono all’esterno. Le finestre, gli schermi e le superfici vetrate diventano così metafora della difficoltà dell’uomo e della ragazza di sentirsi realmente presenti in un luogo che possono solo osservare, a causa della loro “rotta” condizione interiore.

Non è un caso, a questo proposito, che Charlotte venga ripresa più volte seduta davanti alla finestra della propria camera, intenta a osservare il paesaggio urbano che si estende davanti ai suoi occhi, come a cercare il proprio posto in quel mondo così distante dal suo. A questi ambienti chiusi si contrappongono poi le strade ben più dinamiche di Tokyo, protagoniste soprattutto quando i due iniziano ad avventurarsi nella vita notturna della città. L’albergo e la metropoli diventano così due mondi visivamente distinti, che Coppola utilizza per accompagnare l’evoluzione della storia e dei suoi protagonisti.

Se gli spazi ci dicono come si sentono Bob e Charlotte, è la macchina da presa a farci vivere il loro viaggio. Sofia Coppola, insieme al direttore della fotografia Lance Acord, sceglie di raccontare Tokyo conservando il più possibile la spontaneità e l’imprevedibilità della vita quotidiana, come se seguisse i protagonisti alla scoperta della città. Per riuscirci, molte delle scene ambientate nelle strade vengono realizzate con una troupe relativamente ridotta e un’attrezzatura abbastanza compatta da permettere di muoversi liberamente tra la folla, ricorrendo in diverse occasioni alla camera a mano (da notare anche quando ruota intorno ai protagonisti a simulare un abbraccio) e sfruttando le fonti luminose già presenti negli ambienti. In questo modo, la regista lascia che siano anche i passanti, il traffico e le situazioni che si verificano spontaneamente a contribuire alle immagini, permettendo alla città di conservare una propria identità che vive indipendentemente dalla presenza dei protagonisti. È un approccio tendente al documentario che restituisce quella sensazione di straniamento nel momento in cui ci troviamo in un luogo sconosciuto e così caotico.

Un film come Lost in Translation è un’ottima lezione che dimostra come un viaggio non necessiti di grandi eventi per essere raccontato, ma di due personaggi talmente “veri” da racchiudere tutta la forza del film nel loro rapporto. L’accesso ai personaggi, in questo caso, è ciò che colpisce di più, perché Sofia Coppola concede loro tutto il tempo necessario per “abbassare la guardia” e permette allo spettatore di entrare in sintonia con loro, senza forzarne l’intimità e senza nemmeno mostrarla in maniera didascalica. Un insegnamento particolarmente importante se nei vostri progetti intendete concentrarvi soprattutto sulle persone incontrate: non sempre è necessario porre domande profonde o cercare di ottenere confessioni davanti alla videocamera. A volte è una conversazione apparentemente banale, un gesto spontaneo, a raccontare una sensazione o il tema che volete far emergere.

In fondo, ci sono incontri che durano pochi giorni, a volte soltanto qualche ora, e che finiscono per accompagnarci molto più a lungo di quanto avremmo immaginato. Perché in quel preciso momento ci hanno permesso di guardare le cose da una prospettiva diversa. Lost in Translation continua a lasciare alla fine di ogni visione quella sensazione dolceamara che sotto sotto amiamo dei viaggi, quando torniamo alla nostra quotidianità consapevoli che certe emozioni e persone rimarranno per sempre legate a un ricordo. Ma forse è proprio questa sua natura temporanea a renderlo così prezioso.

NOLEGGIA LOST IN TRANSLATION SU PRIME VIDEO

Regia di Sofia Coppola
Scritto da Sofia Coppola
Fotografia di Lance Acord
Montaggio di Sarah Flack
Musiche di Kevin Shields

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Letto ora, questo episodio assume i contorni di una follia stravagante. Eppure, racconta moltissimo del rapporto viscerale che intercorre tra Herzog e il viaggio, visto che sembra anticipare le sfide intraprese e auto-imposte dai protagonisti dei suoi lavori. Secondo il regista tedesco, infatti, lo spostamento fisico, l’osservazione dell’ignoto e della natura, la fatica e la follia non rappresentano un semplice movimento da un punto all’altro, ma assumono un senso di contatto diretto con il proprio io e con il mondo che ci circonda, possibile da conoscere solo se viene attraversato con il proprio corpo (la necessità di muoversi) e con la propria fatica. Da qui è naturale l’idea secondo cui il viaggio non è un’esperienza necessariamente piacevole e godibile, men che meno un’occasione di conoscere luoghi spettacolari. Può essere faticoso, imprevedibile e a tratti fuori dai confini della razionalità, ma proprio per questo capace di mostrare aspetti del reale che nella serenità del quotidiano non potremmo cogliere.

Questa concezione di viaggio “non” turistico attraversa buona parte della cinematografia di Herzog, tanto nei film di finzione quanto nei documentari. Il regista ha portato il suo estro e l’occhio della macchina da presa per deserti, foreste, montagne, vulcani, spesso interfacciandosi in prima persona con difficoltà logistiche (pensiamo al fatto di voler trasportare una vera nave per la realizzazione di Fitzcarraldo) e condizioni ambientali ai limiti dell’estremo, pur di mostrare con estrema precisione ciò che aveva in mente. Ma se la componente fisica umana è fondamentale per la comprensione della concezione herzoghiana di viaggio, al tempo stesso anche i luoghi e i modi in cui vengono mostrati hanno un significato ben preciso: diventano lo spazio in cui osservare il rapporto uomo-natura e, soprattutto, le ambizioni-ossessioni che spingono certi individui a voler superare i limiti e (in un certo senso) naturali.

La rappresentazione della natura, del non-umano, occupa nel cinema di Herzog un ruolo fondamentale. Maestosa, di una bellezza straordinaria e al tempo stesso letale per l’indifferenza totale all’esistenza umana, dotata di una potenza così forte da sopraffare chiunque cerchi di domarla. I paesaggi mostrati, però, non servono solamente a mostrare i luoghi reali e le ambientazioni in cui viene messa in scena la storia, ma nascondono tra le loro pieghe un significato ben più profondo. Herzog parla di paesaggi interiori, ossia immagini attraverso cui la natura si fa proiezione di uno “stato interiore della mente”, dei delle inquietudini e dei desideri dell’essere umano. Quel che interessa al regista travalica quindi il solo movimento fisico in avanti e si apre a ciò che questo riesce a far emergere nell’animo di chi lo affronta.

Per capire meglio il rapporto tra il cineasta tedesco, la natura e i viaggi da pazzi, ecco sei titoli imperdibili, tra la finzione e lo pseudo-reale dei suoi documentari.

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Fitzcarraldo (1982) - Film

Disponibile su: Prime Video (a noleggio)

Brian Sweeney Fitzgerald, detto “Fitzcarraldo”, è un imprenditore irlandese che vive a Iquitos, nel cuore dell’Amazzonia peruviana, e coltiva un sogno apparentemente impossibile: costruire un teatro dell’opera nella giungla e portarvi il grande tenore Enrico Caruso. Per finanziare il progetto decide di sfruttare una concessione di caucciù, raggiungibile però soltanto attraverso un percorso fluviale estremamente complicato. Il suo piano prevede di trasportare un enorme battello a vapore oltre una collina, da un fiume all’altro, nel mezzo della foresta amazzonica.

Interpretato da Klaus Kinski e con la presenza di una magnetica Claudio Cardinale, Fitzcarraldo è uno degli esempi più estremi del cinema di Herzog, tanto nelle idee quanto nella realizzazione, visto che l’impresa raccontata nel film venne realizzata davvero durante le riprese, senza ricorrere a un modello in miniatura per la celebre sequenza della nave. La follia del protagonista sembra allora sovrapporsi a quella del regista, entrambi disposti ad affrontare difficoltà enormi per realizzare un’immagine, un sogno, un’ossessione. La giungla, qui, oltre a essere lo scenario dell’avventura è anche una forza che resiste indomita ai tentativi umani di piegarla al proprio desiderio.

Grizzly Man (2005) - Documentario

Disponibile su: Apple TV (a noleggio)

Per tredici estati consecutive, Timothy Treadwell ha raggiunto le terre selvagge dell’Alaska per vivere a stretto contatto con gli orsi grizzly, animali che lui considerava quasi una famiglia tanto era forte la sua passione. Durante i suoi soggiorni ha registrato centinaia di ore di filmati in cui documentava gli incontri con gli animali, la vita quotidiana nella natura e le proprie riflessioni. Attraverso questo materiale, interviste e la propria voce narrante, Herzog ricostruisce la storia di un uomo che aveva scelto di allontanarsi dalla società per avvicinarsi alla natura nel modo più selvaggio, fino alla tragica morte avvenuta nel 2003.

Grizzly Man è uno dei documentari in cui emerge con maggiore chiarezza la concezione herzoghiana della natura. Da una parte lo sguardo di Treadwell, che vede negli orsi degli esseri capaci di comprendere e ricambiare il suo affetto; dall’altra quello di Herzog, per il quale la natura non conosce sentimenti umani, ma segue logiche proprie, spesso spietate e indifferenti alla nostra esistenza. Il viaggio e la scelta di Treadwell rappresenta il tentativo estremo di abbandonare il mondo degli uomini per appartenere a quello degli animali, mentre le straordinarie immagini dell’Alaska mostrano quanto possa essere sottile il confine tra il fascino per la natura e l’illusione di poter diventare parte di essa.

Aguirre, furore di Dio (1972) - Film

Disponibile su: Prime Video

1950. Una spedizione di conquistadores spagnoli attraversa le Ande e si addentra nella foresta amazzonica per trovare il leggendario El Dorado. Quando il viaggio inizia a rivelarsi più difficile del previsto, un gruppo di uomini viene mandato in avanscoperta lungo il fiume a bordo di alcune zattere: tra di loro compare Lope de Aguirre (interpretato ancora da Klaus Kinski), un uomo ossessionato dal potere e dal desiderio di conquista, disposto a trascinare i propri compagni sul “fondo” pur di non rinunciare alla propria ambizione.

Girato all’interno della foresta peruviana, Aguirre, furore di Dio trasforma il viaggio in una degradante discesa nella follia. Fiume, vegetazione e vastità della natura sono elementi che con l’avanzare dei minuti sembrano inghiottire i protagonisti come delle sabbie mobili, mentre il loro sogno ossessivo di conquista si scontra con un ambiente del tutto indifferente alle volontà umane. a celebre inquadratura iniziale della spedizione che scende lungo un sentiero di montagna, immersa nella nebbia, anticipa già questa sproporzione tra l’immensità del paesaggio e la fragilità degli uomini che cercano di attraversarlo.

Il diamante bianco (2004) - Documentario

Disponibile su: Prime Video

Graham Dorrington è un ingegnere aeronautico con un sogno: sorvolare la foresta pluviale della Guyana a bordo di un dirigibile, progettato per muoversi sopra le chiome degli alberi e permettere di osservare la natura da una prospettiva insolita. Herzog si mette al suo fianco e lo accompagna durante la preparazione e i tentativi di volo, raccontando anche il peso di un precedente incidente che ha segnato nel profondo la vita di Dorrington. Sullo sfondo, la maestosa bellezza della foresta tropicale e delle cascate Kaieteur.

Il diamante bianco racconta la genesi di un’impresa all’apparenza eccentrica che, come solito del cinema di Herzog, nasconde delle motivazioni ben più profonde della semlice curiosità scientifica di un uomo. Il desiderio di volare dell’ingegnere diventa qui un modo per confrontarsi con le proprie paure, con il proprio passato e con il bisogno di osservare il mondo da una prospettiva diversa rispetto alla normalità. Ma il documentario non è focalizzato solo su Dorrington: attraverso gli incontri con le persone del luogo, Herzog lascia emergere diverse voci della foreste e altri modi per rapportarsi con essa, mostrando come uno stesso luogo possa assumere differenti significati a seconda di chi lo guarda.

Dentro l’inferno (2016) - Documentario

Disponibile su: Netflix

Al fianco del vulcanologo Clive Oppenheimer, Herzog intraprende attraverso alcuni dei territori vulcanici più affascinanti e al tempo stesso pericolosi del pianeta, passando dall’Indonesia all’Etiopia per arrivare fino alla Corea del Nord. Il documentario osserva da una prospettiva privilegiata crateri, colate laviche e paesaggi modellati dall’attività vulcanica, ma soprattutto incontra le comunità che vivono nei pressi di queste forze della natura, cercando di capire come abbiano influenzato le loro credenze e visioni del mondo.

Dentro l’inferno è molto più che un documentario scientifico sui vulcani: è un viaggio nel rapporto uomo-natura. Herzog mostra la spettacolarità delle eruzioni e delle zone vulcaniche, ma il focus è sul significato che questi fenomeni assumono per le popolazioni che vivono a contatto con essi. Le immagini sono di una bellezza rara e vengono costantemente accompagnate alla consapevolezza di trovarsi di fronte a una forza distruttrice su cui l’uomo non può esercitare alcun controllo. Un’opera che racchiude perfettamente la concezione herzoghiana di natura maestosa, affascinante e al contempo indifferente all’esistenza umana.

Nomad - In cammino con Bruce Chatwin (2019) - Documentario

Disponibile su: Apple TV (a noleggio)

Partendo dal ricordo dell’amico Bruce Chatwin, scrittore e viaggiatore britannico venuto a mancare nel 1989, Herzog ripercorre alcuni dei luoghi che ne hanno segnato la vita e le opere. Il regista viaggia in Patagonia, nelle Black Mountains in Galles e nell'Outback australiano per seguire le tracce di un uomo che aveva fatto del movimento e della curiosità verso il mondo la sua ragione di vita. Attraverso paesaggi, incontri e testimonianze di altri amici, il regista ricostruisce il rapporto di Chatwin con il viaggio in solitaria, intrecciandolo ai ricordi della loro amicizia.

Nomad è forse il titolo che più direttamente permette di comprendere il significato del viaggio per Herzog. Non soltanto perché racconta uno scrittore che ha dedicato gran parte della propria esistenza all’esplorazione, ma perché il regista finisce inevitabilmente per parlare anche di se stesso. Il cammino diventa una forma di conoscenza, un modo per incontrare storie e persone, ma anche per interrogarsi sul bisogno umano di muoversi continuamente. Un documentario in cui il viaggio geografico e quello della memoria finiscono per sovrapporsi, mostrando quanto l’esplorazione possa essere anche un modo di stare al mondo.

E tu quale film inseriresti in questa lista? Faccelo sapere commentando e condividendo l’articolo!

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Come si trova un’idea originale per un documentario di viaggio? Dove si cercano storie che non siano già state raccontate da tutti? E come si organizza un viaggio quando l’obiettivo non è semplicemente partire, ma tornare con il materiale necessario per realizzare un film?

Questa settimana, passiamo dalla costruzione della storia alla sua ricerca, fino alla preparazione concreta delle riprese di una produzione leggera.

Scopriremo come individuare nuovi spunti attraverso riviste, newsletter, agenzie fotogiornalistiche e relazioni personali, ma anche come organizzare un viaggio di produzione senza sacrificare la spontaneità e gli imprevisti che rendono unico ogni racconto.

Ecco una piccola anticipazione delle nuove 4 lezioni.

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9. Dove trovare le storie: riviste, newsletter e un archivio personale di idee

Le storie migliori non nascono sempre da un’intuizione improvvisa. Spesso sono il risultato di una ricerca continua, fatta di letture, notizie e piccoli spunti raccolti nel tempo.

Scopriamo come utilizzare riviste specializzate, newsletter e fonti internazionali per trovare idee originali, e come costruire un archivio personale che permetta di recuperarle e trasformarle in progetti audiovisivi.

10. Dove trovare le storie: il valore delle Public Relations per videomaker

E se la prossima storia da raccontare arrivasse da una conversazione tra amici, da un contatto comune o da una pagina social?

Approfondiamo il ruolo delle relazioni personali nella ricerca di nuove storie, imparando a riconoscere spunti narrativi nelle conversazioni quotidiane, nelle community online e nelle realtà che ci circondano. Perché non serve andare dall’altra parte del mondo per trovare qualcosa di interessante.

11. Dove trovare le storie: le agenzie fotogiornalistiche

Dove cercano le storie i professionisti del reportage? E come possiamo individuare argomenti originali prima che vengano raccontati dai grandi media?

Esploriamo le agenzie fotogiornalistiche e le pubblicazioni specializzate come strumenti di ricerca, per imparare a individuare vicende poco conosciute e svilupparle attraverso un punto di vista personale, trasformando anche piccoli fatti locali in racconti di interesse universale.

12. Organizzare il viaggio per produzioni leggere

Organizzare una vacanza e preparare un viaggio per girare un documentario sono due cose molto diverse. Ma quanto bisogna pianificare prima di partire e quanto, invece, è meglio lasciare all’imprevisto?

Vediamo come preparare un viaggio di produzione, dalla gestione dell’attrezzatura alle prenotazioni, dai permessi alla logistica sul posto, per evitare gli errori che possono compromettere le riprese e dedicare più tempo ed energie alla storia.

Dalle idee alle riprese: il prossimo passo è raccontare

Trovare una buona storia è solo l’inizio. Bisogna saperla riconoscere, approfondire, costruire e infine organizzarsi per raccontarla attraverso le immagini.

Con queste quattro nuove lezioni continuiamo il percorso della Travel Film School, affrontando aspetti concreti del lavoro di un travel filmmaker, dalla ricerca creativa alla produzione sul campo.

Le quattro nuove lezioni complete sono già disponibili per gli abbonati Premium.

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Quando parti per fare video, il viaggio deve ruotare attorno alle riprese, alla storia e alla possibilità di portare a casa materiale forte. Non puoi permetterti che ogni giornata venga assorbita da trattative, spostamenti improvvisati, problemi logistici o batterie scariche.

Questo non vuol dire pianificare tutto in modo rigido. Anzi, in molte produzioni leggere l’imprevisto è una parte fondamentale del racconto. Il punto è capire cosa lasciare aperto e cosa risolvere prima di partire.

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È un posto che spesso viene sottovalutato, ma ha molto senso frequentarlo: queste agenzie fanno un lavoro molto simile a quello di un videomaker. Cercano una storia, realizzano immagini e reportage, costruiscono un racconto visivo e poi lo propongono a giornali, media, riviste e altri contenitori editoriali.

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Per chi realizza documentari e video, imparare a trovare questi segnali è una parte fondamentale del lavoro. Non serve aspettare l’idea geniale comparsa dal nulla. Quasi sempre, dietro un progetto interessante, c’è stata prima una curiosità: una notizia letta, una persona incontrata, una domanda rimasta aperta.

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Che si tratti di un video di viaggio, un documentario, un reportage o un servizio, la risposta non è una sola. La ricerca è una componente concreta del lavoro creativo, e ha anche una parte molto personale: c’è chi trova ispirazione nei libri, chi nei film, chi nelle conversazioni, chi nelle notizie.

Le storie raramente arrivano per caso. Bisogna allenare le antenne, costruirsi fonti affidabili e conservare gli spunti nel tempo. Spesso il punto di partenza di un progetto è un articolo letto mesi prima, una notizia salvata in una cartella o un dettaglio trovato mentre si prepara un viaggio.

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Troppo spesso ce ne accorgiamo quando rischiamo di perderle. La salute, la libertà, il tempo e persino le persone che ci circondano sono tutte cose che, per quanto fondamentali nella nostra vita, tendiamo a dare per scontate. Viviamo le nostre giornate convinti di avere sempre abbastanza tempo per fare tutto quello che desideriamo, rimandando magari un viaggio che sogniamo da anni a data da destinarsi, un’esperienza che vorremmo provare al weekend successivo, oppure una decisione importante che continuiamo a posticipare per paura, aspettando il momento giusto. Eppure, per quanto possa sembrare scontato e retorico dirlo, nessuno di noi sa veramente quanto tempo ha ancora davanti a sé. Per questo, molte volte, servono degli “schiaffi” dalla vita per darci una svegliata e prendere in mano la nostra vita: una notizia improvvisa, un imprevisto o un cambiamento delle nostre condizioni di vita. È quando veniamo messi veramente alle strette che ci rendiamo conto di quanto siano fragili tutte quelle certezze su cui abbiamo costruito la nostra quotidianità, portando a interrogarci su ciò che abbiamo fatto, sulle occasioni che ci siamo lasciati sfuggire e, soprattutto, su quelle che vorremmo ancora vivere.

Era il 1986 quando Rob Reiner portava nei cinema uno di quei film destinato a segnare un’intera generazione: Stand By Me - Ricordo di un’estate. La storia di 4 ragazzini che decidono di mettersi in marcia alla ricerca del cadavere di un loro coetaneo nei boschi dell’Oregon. Un’avventura che nasconde tra le rotaie del treno attraversate una riflessione molto più profonda sull’amicizia, sulla crescita e sul momento della vita in cui si affronta la fine dell’infanzia. Ventuno anni dopo questo capolavoro, il regista torna a raccontare un viaggio, seguendo questa volta due protagonisti che si trovano all’opposto rispetto ai ragazzini dell’86, visto che si tratta di due uomini anziani ormai consapevoli di aver poco tempo davanti a sé. Molto curiosa è la contrapposizione tra le due storie: se i quattro giovani protagonisti di Stand By Me partirono alla “ricerca della morte” per scoprire molto di più sulla vita, i protagonisti del film del 2007 si mettono in viaggio proprio alla ricerca della vitalità, perché sanno di essere sempre più vicini alla morte. Due storie, quindi, apparentemente molto diverse, accomunate però dalla capacità del viaggio e dell’amicizia di cambiare profondamente il modo di guardare alla propria esistenza.

Se non lo avete ancora capito (facciamo finta che non avete letto il titolo), oggi vi parliamo di Non è mai troppo tardi (titolo originale: The Bucket List), commedia drammatica interpretata da due mostri sacri come Jack Nicholson e Morgan Freeman che potete trovare in streaming su Netflix. I due vestono rispettivamente i panni di Edward Cole, ricchissimo imprenditore dal carattere cinico e abituato a ottenere sempre tutto ciò che vuole, e Carter Chambers, un meccanico colto e profondamente riflessivo che ha trascorso gran parte della propria vita a lavorare per sostenere la famiglia. Due uomini completamente diversi senza aver nulla in comune, fino a quando una diagnosi di cancro li porta a condividere la stessa stanza d’ospedale. Quando i due scoprono di avere massimo 6 mesi/1 anno di vita, decidono di dare una svolta al tempo che rimane loro e di realizzare una “lista del capolinea” (bucket list) da esaudire prima di morire. Grazie al grande patrimonio di Edward, i due “sconosciuti” partono per un viaggio in giro per il mondo, tra esperienze estreme, luoghi straordinari e avventure che fino a quel momento erano rimaste soltanto dei sogni nel cassetto.

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Consigliamo Non è mai troppo tardi proprio per il significato assunto dal viaggio all’interno della storia visto che, per quanto possa essere fuori dalle righe nella normalità di tutti i giorni, assume un significato molto profondo per chiunque guardi il film. Siamo abituati, infatti, a considerare la partenza come un’occasione per staccare dalla quotidianità, scoprire luoghi sconosciuti, conoscere nuove culture. Per Edward e Carter, però, il viaggio rappresenta qualcosa di ancora più importante: la possibilità di riprendere in mano la propria vita, nel momento in cui la stessa sembra scivolare via. Entrambi hanno trascorso decenni seguendo strade molto diverse, prendendo decisioni opposte, costruendo relazioni e rinunciando inevitabilmente a una parte dei propri sogni. La diagnosi ricevuta in ospedale li costringe a confrontarsi con tutto ciò che hanno rimandato e, soprattutto, con la consapevolezza di avere ormai pochissimo tempo per rimediare alle decisioni prese in passato. Viaggiare, lasciarsi trasportare dall’avventura, diventa così un modo per interrompere, almeno temporaneamente e fin quando ne hanno la possibilità, quella condizione di impotenza che la malattia ha imposto loro. È la possibilità di tornare a scegliere, forse per l’ultima volta, come trascorrere le proprie giornate.

C’è anche un altro aspetto che rende interessante il senso del viaggio compiuto dai due protagonisti. All’inizio del film, la lista dei desideri stilata da Edward e Carter comprende soprattutto esperienze per loro fuori dal comune, come lanciarsi con il paracadute, farsi un tatuaggio, guidare automobili sportive su un circuito o visitare alcuni dei luoghi più spettacolari del pianeta. Tutte attività che, almeno sulla carta, sembrano rappresentare il massimo della libertà e dell’avventura per chiunque. Il sogno di tutti noi viaggiatori. Con il passare del tempo, però, le conversazioni tra i due protagonisti (seguendo, ovviamente, l’evoluzione del loro rapporto) iniziano a spostarsi su questioni ben più personali: i rapporti con le rispettive famiglie, le scelte fatte nel corso degli anni unite alle loro conseguenze, le occasioni perdute per strada e ciò che li rende veramente felici. Ma anche ciò che hanno lasciato per strada nel corso degli anni. Il viaggio offre così loro la possibilità di guardare alla propria esistenza da una prospettiva completamente differente, lontana dalle abitudini e dalle responsabilità che fino a quel momento avevano scandito le loro giornate. E ci ricorda quanto allontanarsi fisicamente dalla propria quotidianità possa avere un ruolo “curativo” nell’osservare con maggiore lucidità la vita di tutti i giorni. Le persone di tutti i giorni. I rapporti di tutti i giorni (o quelli che vorremmo avere).

Ma oltre a questo, perché il film funziona così bene? Parte del merito va sicuramente alla capacità di Rob Reiner di affrontare un argomento estremamente delicato come la morte attraverso un registro in grado di saltare continuamente tra momenti di grande leggerezza ad altri decisamente più drammatici e riflessivi. Sarebbe stato piuttosto semplice trasformare la storia di due malati terminali in un racconto dominato dalla sofferenza e dalla tristezza, mentre il regista sceglie di lasciare ampio spazio all’ironia, alle situazioni paradossali e a quella voglia di vivere che caratterizza gran parte di questa pazza avventura. L’equilibrio tra i due registri permette allo spettatore di affezionarsi progressivamente ai protagonisti, a scalfire la corazza esteriore di Edward e quella interiore di Carter, ridendo delle loro provocazioni continue e delle situazioni in cui si ritrovano, senza dimenticare la condizione che li ha spinti a partire (il che, sicuramente, rende il tutto più dolce e anche malinconico). Certo, in alcuni passaggi il film cerca apertamente la commozione, con una componente sentimentale piuttosto marcata, ma riesce comunque a mantenere un tono coinvolgente e accessibile a chiunque (vi avvisiamo che nel finale potrebbe scappare qualche lacrima).

A rendere tutto ciò possibile, e sembra anche inutile dirlo, sono soprattutto le interpretazioni di Jack Nicholson e Morgan Freeman, il vero punto di forza della pellicola. I due attori riescono a dare vita a personaggi profondamente differenti, sia per estrazione sociale sia per modo di affrontare la vita: Edward è impulsivo, sarcastico, spesso arrogante dall’alto della sua potenza economica, mentre Carter è pacato, riflessivo e abituato a mettere le esigenze degli altri davanti alle proprie. Più diversi di così, diciamo, non si può. Le loro differenze alimentano discussioni e provocazioni, costruendo un rapporto che evolve progressivamente nel corso del viaggio. Ma la cosa interessante è che, nonostante le enormi possibilità economiche di Edward e l’esperienza di vita completamente diversa di Carter, nessuno dei due tiene in pugno tutte le risposte che stanno cercando. Ciascuno dei due insegna qualcosa all’altro e, attraverso un’amicizia nata per caso su due letti d’ospedale, iniziano a mettere in discussione alcune delle convinzioni che li hanno accompagnati per tutta la vita. Un rapporto che rappresenta il vero cuore emotivo del film, enfatizzato dall’uso prolungato di primi piani sui loro volti, sulle loro emozioni e reazioni alle affermazioni del rispettivo compagno d’avventura.

Dal punto di vista della costruzione cinematografica, c’è una scelta piuttosto evidente che Rob Reiner utilizza per accompagnare il cambiamento vissuto dai protagonisti. Oltre alle molte inquadrature che stringono su di loro, un elemento che domina il film è il contrasto tra gli ambienti in cui si sviluppano le due parti in cui è (idealmente) divisa la storia. Nella prima metà del film ci troviamo praticamente confinati all’interno dell’ospedale, tra camere, corridoi, letti e macchinari medici che scandiscono le giornate di Edward e Carter. Sono ambienti chiusi, nei quali i due uomini hanno pochissima possibilità di movimento e devono sottostare continuamente a visite, terapie e decisioni prese da altre persone. Una sensazione claustrofobica, data anche dalla divertentissima intolleranza di Edward nei confronti dell’ambiente chiuso che lui stesso ha costruito (essendo il proprietario dell’ospedale). Il cambio di registro, ovviamente, arriva quando i due decidono finalmente di partire: all’allargarsi degli spazi, anche le inquadrature iniziano a respirare, proprio come se anche lo spettatore iniziasse veramente a viaggiare. I protagonisti tornano a muoversi liberamente e allo stesso modo la macchina da presa può finalmente mostrarci paesaggi e ambienti che fino a quel momento sembravano appartenere a un mondo apparentemente irraggiungibile.

Da un punto di vista visivo, il viaggio permette allo spettatore di attraversare luoghi splendidi della Terra: il safari in Africa, le piramidi del Cairo, il Taj Mahal in India, la Grande Muraglia cinese e i pendii dell’Himalaya. La fotografia, affidata a John Schwartzman, valorizza la dimensione spettacolare di queste destinazioni (sarebbe impossibile non farlo), ma lo fa attraverso una particolarità interessante rispetto ad altri film che abbiamo incontrato: per quanto i luoghi siano meravigliosi, la loro conoscenza rimane piuttosto superficiale. Non ci vengono raccontate le culture, le tradizioni o la quotidianità delle popolazioni che li abitano, fattori che in altri titoli potrebbero rappresentare dei difetti. Qui, invece, questa scelta centra il punto su cui si concentra la narrazione, perché il film si interessa principalmente al significato che l’esperienza ha sui protagonisti piuttosto che sui luoghi visitati. Le destinazioni diventano una sorta di cornice all’interno della quale Edward e Carter possono fare il tornaconto della propria vita. Per cui, se molto spesso la componente spettacolare dei luoghi visitati domina moltissimi travel film, in questo caso l’attenzione è per lo più concentrata sul ruolo che questi hanno nel percorso umano che stanno realizzando.

Anche il montaggio contribuisce a questa impostazione, passando rapidamente da un’esperienza all’altra e alternando sequenze più movimentate, come il lancio con il paracadute o le corse automobilistiche, a momenti decisamente più tranquilli, nei quali i due uomini si fermano a parlare… magari seduti in un ristorante di lusso a parlare di caviale! Ma è sempre il montaggio, del resto, a insegnare qualcosa di molto concreto su come si costruisce un racconto di viaggio. Edward e Carter partono con un itinerario deciso a tavolino, eppure a restare non sono le voci spuntate, ma soprattutto quello che accade tra una tappa e l’altra: le conversazioni sulla famiglia, i rimpianti, il momento in cui la lista smette di bastare. Per chi come noi realizza video e documentari di viaggio la lezione è soprattutto di organizzazione del lavoro: le tappe vanno pianificate, ma il vero materiale sono i trasferimenti, le attese, le cene, tutti quei momenti poco spettacolari che su un’agenda non sembrano scene. Senza di essi si rischia di tornare a casa con venti sequenze bellissime e nessun passaggio che le tenga insieme.

Alla fine, viene quasi spontaneo chiedersi cosa inseriremmo nella nostra personale bucket list. Un viaggio dall’altra parte del mondo? Un’esperienza che ci spaventa da sempre? Oppure qualcosa di più semplice che continuiamo a rimandare? Probabilmente, ognuno di noi avrebbe risposte completamente diverse, proprio come Edward e Carter. Eppure, per quanto possa essere lunga la nostra lista, ciò che conta davvero potrebbe essere qualcosa che difficilmente riusciremmo a scrivere su un foglio di carta. La gioia che siamo riusciti a trovare nelle esperienze vissute, quella che abbiamo condiviso con le persone incontrate lungo il cammino e quella che siamo stati capaci di lasciare nella vita degli altri. Perché, quando arriverà il momento di guardarci indietro, il valore della nostra esistenza potrebbe dipendere molto meno dal numero di desideri realizzati rispetto a quanto siamo riusciti a dare e ricevere durante il percorso. E allora, magari, iniziamo pure a scrivere quella benedetta bucket list, senza aspettare né uno di quegli “schiaffi” della vita di cui parlavamo all’inizio né il capolinea per iniziare a spuntarla. Ricordandoci, però, che le cose più importanti spesso non sono delle attività da spuntare.

GUARDA NON É MAI TROPPO TARDI SU NETFLIX

Regia di Rob Reiner
Scritto da Justin Zackham
Fotografia di John Schwartzman
Montaggio di Robert Leighton
Musiche di Marc Shaiman

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Pensate al surf. Una delle attività sportive più liberatorie e a contatto con la natura che possiamo fare.Oltre a essere visivamente spettacolare osservare persone letteralmente fluttuare e danzare con le onde del mare, spesso tendiamo ad associarlo a un immaginario ben specifico, fatto di spiagge da sogno, sole che spacca le pietre, acque tropicali e una libertà assoluta. Ma questo è soltanto uno dei volti di questo meraviglioso sport, perché si tratta di una disciplina praticabile anche in luoghi ben più diversi e spettacolari, dove persino raggiungere le onde diventa un’avventura in tutto e per tutto. Immaginate di sostituire le palme con montagne ricoperte di neve, le spiagge dorate con coste rocciose e le calde acque con un oceano gelido, dove anche soltanto entrare in acqua richiede una buona dose di coraggio. Sembra uno scenario poco invitante per una giornata di surf, vero? Eppure, per alcuni surfisti, è proprio questo il fascino dell’esplorazione: raggiungere luoghi remoti, affrontare condizioni climatiche tutt’altro che favorevoli e scoprire onde che pochissime persone hanno avuto la possibilità di cavalcare.

È una ricerca che ci porta direttamente tra i fiordi e le coste selvagge dell’Islanda, protagonisti di Under An Arctic Sky, documentario del 2017 diretto da Chris Burkard. otografo d’avventura e filmmaker, nel corso della sua carriera ha sviluppato una grande passione nei confronti delle regioni più fredde, spettacolari e al tempo stesso remote del pianeta. Un interesse viscerale, che lo ha portato a cercare onde in luoghi in cui la presenza umana è spesso limitata e le condizioni climatiche possono stravolgere in pochi secondi i piani di viaggio. Insieme al filmmaker Ben Weiland (sceneggiatore e responsabile della fotografia) e a un gruppo di sei surfisti professionisti, Burkard decide di organizzare una spedizione in Islanda con l’obiettivo di raggiungere via mare la riserva naturale di Hornstrandir e trovare delle onde “da cavalcare” ancora poco conosciute, sfruttando le grandi mareggiate che raggiungono l’isola nel periodo invernale. Ma in ambienti così estremi, si sa, i calcoli possono essere stravolti immediatamente: una tempesta violentissima investe l’Islanda, costringendo i viaggiatori ad abbandonare il programma originario e a trovare una soluzione alternativa. A venirne fuori è un’avventura ricca di imprevisti, fatta di strade sommerse dalla neve, condizioni meteorologiche al limite e la costante incertezza di raggiungere l’obiettivo prefissato.

Non potete perdervi questa vera gemma, innanzitutto per una questione di tempo: dura solo 40 minuti, il tempo di una pausa pranzo, di un breve viaggio sui mezzi pubblici. Perciò, non ci sono scuse. Oltre a questo, visto che il tempo per vedere prodotti di qualità in qualche modo si trova sempre, consigliamo Under An Arctic Sky per il modo in cui racconta una delle motivazioni che spinge l’uomo a viaggiare continuamente: la curiosità nei confronti di qualcosa che ancora non conosciamo. Per tutta la troupe e gli “avventurieri”, il surf va ben oltre la sua dimensione sportiva, trasformandosi in una ragione per mettersi in viaggio, esplorare territori lontani dai percorsi battuti dalla maggior parte delle persone e scoprire cosa si nasconde lungo coste ancora poco conosciute. Un desiderio che emerge fin dalle prime sequenze, quando Burkard racconta le imprese dei pionieri del surf in acque fredde, che partivano alla ricerca di nuove onde senza nemmeno sapere se le avrebbero trovate. Una curiosità che, in fondo, accomuna tantissimi viaggiatori.

Under An Arctic Sky trasforma quella che sembrerebbe all’apparenza una semplice spedizione sportiva in un vero racconto d’avventura, in grado di coinvolgere moltissimo anche chi di surf non è particolarmente interessato o “ferrato”. La capacità di questo mini-documentario sta nel coinvolgere lo spettatore non tanto attraverso ciò che i protagonisti riescono a realizzare, quanto attraverso l’incertezza che accompagna l’intera esperienza. Fin dall’inizio, il documentario presenta i suoi protagonisti intenti a perseguire un obiettivo ben preciso, il cui raggiungimento si rivela progressivamente sempre più incerto, alimentando nello spettatore il dubbio sulla loro effettiva possibilità di raggiungere le onde desiderate. Per trattare questo inconveniente (che non è roba da poco, ma una delle tempeste più potenti degli ultimi anni), il film decide di mettere in primo piano proprio le conseguenze causate da questo disagio: le difficoltà a muoversi, i tentativi falliti e i continui cambi di programma non vengono eliminati, altresì diventano gli elementi che danno direzione e dinamismo al racconto. Ciò che tiene viva l’attenzione è il percorso necessario a realizzare la “surfata”, l’attività in sé e per sé crea meraviglia.

C’è un altro elemento all’interno della narrazione che contribuisce a rendere davvero godibile il documentario, vale a dire la capacità di far percepire allo spettatore l’esperienza vissuta dai protagonisti, senza ridurla alla semplice successione di imprese e immagini spettacolari. Accanto all’adrenalina delle sessioni di surf, viene lasciato spazio ai momenti di attesa, alla stanchezza (più che giustificata), alle reazioni spontanee dei membri della spedizione e a tutte quelle situazioni quotidiane che restituiscono la fatica e la dimensione umana dell’impresa. Si tratta di piccoli dettagli che, se per alcuni possono risultare insignificanti, permettono di avvicinarsi al gruppo e di comprendere quanto lavoro si celi dietro spedizioni e immagini che, viste nella loro singolarità, potrebbero apparire quasi uscite da un altro mondo. Ovviamente, la bellezza dei paesaggi islandesi è impossibile da ignorare (protagonisti anche del documentario Iceland - You Think You’re Alone della Travel Film School), ma la capacità di Burkard sta nel mettere in equilibrio la resa estetica e la dimensione più concreta e “cruda” del viaggio. E questo è anche molto utile quando arrivano i momenti più emozionati, accrescendo ancora di più il loro impatto proprio perché abbiamo avuto modo di conoscere tutto ciò che li ha preceduti.

La costruzione del documentario adotta una struttura narrativa piuttosto semplice e lineare che segue l’andamento cronologico degli eventi. Una scelta che valorizza soprattutto il ruolo del montaggio, un elemento fondamentale che qui alterna sequenze molto diverse tra loro, ma senza spezzare la continuità della storia. I momenti più dinamici (sessioni di surf, spostamenti di gruppo) vengono spezzati da sequenze decisamente più contemplative, nelle quali la macchina da presa si sofferma sulle onde in slow motion, sul paesaggio immenso o sui protagonisti nei momenti di sosta. Un’alternanza che dà respiro al documentario, evitando il rischio di condensare in 40 minuti una serie slegata di immagini accomunate solo dall’alto tasso estetico. Anche la voce narrante di Burkard si unisce a questo dualismo di fondo, accompagnando da un lato alcune parti del racconto e dall’altro offrendo il proprio punto di vista sull’esperienza vissuta.

Elemento fondamentale di tutta la costruzione è poi, senza alcun dubbio, la fotografia, uno degli aspetti più riconoscibili dell’intero documentario. Frutto sicuramente della sua formazione come fotografo d’avventura, la regia di Burkard, unita al lavoro del direttore della fotografia Ben Weiland, racconta perfettamente il rapporto tra gli esseri umani e gli ambienti naturali in cui sono immersi. Una delle scelte più evidenti è l’utilizzo di campi lunghi e lunghissimi che mostrano l’immensità magica dell’isola e delle sue coste, nonché dell’oceano e delle montagne. In queste composizioni naturali vengono poi inseriti i protagonisti del viaggio, tanto minuscoli da rendere difficile anche la loro presenza nel gigantesco spazio che li circonda. Oltre a valorizzare i panorami mozzafiato dell’isola, questa è una scelta ben pensata: il rapporto di scala tra soggetti e luoghi, tra uomo e natura, comunica quanto la potenza dell’essere umano sia decisamente ricalibrata rispetto a quella della natura. A queste inquadrature ampie si intervallano (seguendo il lavoro fatto dal montaggio) poi quelle più ravvicinate sui protagonisti, sulla loro fatica e sulla meraviglia dello spettacolo che si presenta davanti a loro. In questa maniera, viene a crearsi un dialogo continuo tra la grandiosità degli spazi e la presenza di chi ci mette piede.

La fotografia, però, si distingue anche per come sfrutta le particolari e splendide condizioni di luce che offre l’inverno islandese. Per gran parte del documentario siamo immersi in paesaggi dominati dalle tonalità fredde, tra il blu notte dell’oceano, il grigio del cielo e il bianco della neve che tappezza l’ambiente. La luce naturale, disponibile per pochissime ore nel corso della giornata, restituisce un’atmosfera quasi surreale che rende ancor più suggestive le immagini mostrate. All’interno di questa tavolozza di colori appare proprio lei, la regina di ogni viaggio nel nord del pianeta: con tutta la sua immensità, l’aurora boreale compare in cielo con una forza visiva straordinaria. Il suo verde luminoso attraversa il cielo della notte e rompe la predominanza dei colori freddi, regalando al film alcune delle immagini che più lasciano a bocca aperta lo spettatore. Ovviamente, realizzare queste riprese non è stato affatto semplice. La troupe ha utilizzato principalmente delle Sony A7S II, particolarmente adatte alle riprese in condizioni di scarsa luminosità, abbinate anche a un obiettivo 35 mm f/1.4. Per riuscire a riprendere i surfisti durante la notte, inoltre, Burkard ha raccontato di aver utilizzato una potente torcia che inizialmente era stata portata per illuminare alcune scene di guida. Posizionata sulla spiaggia, questa luce ha permesso di rendere visibili le onde e creare il contrasto necessario per distinguere i surfisti nell’oscurità. Una soluzione tanto semplice quanto ingegnosa, che dimostra come dietro immagini apparentemente impossibili ci siano spesso capacità tecniche e una buona dose di inventiva.

A completare il documentario è la musica, uno degli elementi che ne definiscono l’identità. La colonna sonora originale, sulla quale hanno lavorato i compositori Julian Cisneros e Josh Good, combina suoni elettronici, sintetizzatori e arrangiamenti orchestrali in un accompagnamento che cambia insieme al racconto. Nei momenti più contemplativi amplifica il senso di spazio infinito e di isolamento, mentre nelle sequenze più movimentate acquista intensità. Verso il finale le sonorità elettroniche si intrecciano con un crescendo orchestrale che rende ancora più suggestive le riprese dei surfisti sospesi tra le onde sotto l’aurora boreale. È una scelta che funziona perché le immagini reggono il peso della musica, ed è difficile immaginare quelle sequenze senza. Va però notato che la colonna sonora è molto presente e molto “costruita”: a tratti questa combinazione tra immagini estremamente curate e musica insistita richiama il linguaggio dei video dedicati all’avventura e agli sport outdoor, e in quei momenti è il montaggio sonoro a suggerire l’emozione più di quanto lo faccia ciò che accade in scena. Non è un difetto che incrina il film, che nell’insieme mantiene una propria coerenza con il suo carattere spettacolare e immersivo, ma è il punto in cui la spettacolarità si fa più dichiarata e il racconto meno trattenuto.

Se c’è un insegnamento pratico che possiamo portarci a casa da Under An Arctic Sky, riguarda l’importanza di non concentrarsi esclusivamente sulle immagini più spettacolari quando realizziamo un video di viaggio. Uno degli errori più comuni, infatti, è quello di accendere la videocamera soltanto davanti a un panorama mozzafiato o durante un’attività particolarmente emozionante, dimenticandoci di tutto ciò che avviene prima, durante e dopo. Il documentario di oggi mostra quanto sia importante raccogliere immagini apparentemente secondarie, come preparativi, spostamenti, conversazioni di tutti i giorni, reazioni e tutti quei gesti che, una volta arrivati al montaggio, possono diventare fondamentali per costruire una sequenza completa. Un consiglio concreto: pensate a ogni esperienza lungo il viaggio come a una piccola scena da raccontare, cercando di evidenziare non solo l’azione principale, ma anche il contesto in cui avviene. Sono proprio le immagini di raccordo a tenere in piedi un racconto comprensibile e coinvolgente, anziché ritrovarci con una raccolta di bellissime riprese che fatichiamo a collegare tra loro.

Siamo partiti dalle spiagge tropicali, dal sole e dalle acque cristalline, e ci ritroviamo a migliaia di chilometri di distanza, tra montagne innevate, onde gelide e cieli illuminati dall’aurora boreale. Due mondi apparentemente opposti, eppure uniti dalla stessa passione per il mare e per quella sensazione di libertà che soltanto certe esperienze riescono a regalare. Under An Arctic Sky ci mostra un lato del surf che raramente siamo abituati a immaginare, ricordandoci quanto possano essere diverse le forme attraverso cui vivere qualcosa che amiamo.

GUARDA UNDER AN ARCTIC SKY

Regia di Chris Burkard
Scritto da Chris Burkard, Ben Weiland
Fotografia di Ben Weiland
Montaggio di Ryan Espinosa, David Phelps
Musiche di Julian Cisneros, Josh Good

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Come si costruisce una storia capace di coinvolgere lo spettatore? In che modo la scelta di un’inquadratura può cambiare il significato di una scena? E quanto conta il modo in cui raccontiamo ciò che è realmente accaduto?

Questa settimana entriamo nel cuore della narrazione audiovisiva, approfondendo il rapporto tra storytelling, regia e linguaggio cinematografico. Scoprirai come costruire racconti coinvolgenti, scegliere le inquadrature più adatte a ogni situazione e utilizzare immagini e parole con consapevolezza, senza perdere di vista la responsabilità di raccontare storie vere.

Ecco una piccola anticipazione delle nuove 4 lezioni.

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5. Regole di Storytelling: le tre C per creare video di viaggio memorabili

Quali sono gli elementi che trasformano un semplice video di viaggio in una storia capace di lasciare il segno?

Scopriamo le tre C dello storytelling (character, conflict e change) e come utilizzarle per costruire un racconto coinvolgente, individuare una direzione narrativa e rendere unica anche una destinazione già raccontata da molti altri filmmaker.

6. Le inquadrature: trova il tuo stile e racconta meglio ogni storia

Perché una ripresa dal basso può trasmettere potenza, mentre un primo piano può rendere decisiva anche la più piccola espressione?

Dai campi e piani alle angolazioni di ripresa, passando per soggettive e piani sequenza, esploriamo le principali scelte registiche e il loro significato narrativo. Perché ogni inquadratura, prima ancora di essere esteticamente efficace, deve avere qualcosa da raccontare.

7. Quanto è importante curare la narrazione?

Quanto può influenzare la percezione del pubblico una frase apparentemente innocua?

Partendo da un episodio realmente accaduto durante la lavorazione della serie Videomakers, e da un curioso incontro con un cane durante un trekking in Nepal, scopriamo come una scelta narrativa possa generare interpretazioni impreviste. Una lezione sull’importanza delle parole, del contesto e della responsabilità nel raccontare storie vere.

8. Campi e Piani: Segreti per Inquadrature Perfette

Che differenza c’è tra un campo lungo e un campo totale? Quando conviene utilizzare un piano americano, un primo piano o un dettaglio?

Un approfondimento dedicato alla grammatica visiva del cinema e della fotografia, per imparare a riconoscere le diverse tipologie di inquadratura e capire come utilizzarle per valorizzare ambienti, personaggi, azioni ed emozioni

Imparare a raccontare, un’inquadratura alla volta

Realizzare un documentario di viaggio significa prendere continuamente decisioni: scegliere chi raccontare, individuare gli elementi che rendono interessante una storia e trovare il linguaggio visivo più adatto per portarla sullo schermo.

Con queste quattro nuove lezioni prosegue il percorso formativo della Travel Film School, che ogni mercoledì si arricchisce di nuovi approfondimenti, esempi pratici ed esperienze di produzione raccontate direttamente dai professionisti del settore.

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Per orientarsi nella grammatica visiva di fotografia e cinematografia, bisogna distinguere tra campi e piani. I campi descrivono soprattutto la quantità di ambiente inquadrata. I piani entrano invece nel territorio del soggetto umano.

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Può bastare una frase apparentemente innocua, un dettaglio dato per scontato o un piccolo mistero costruito per rendere più interessante una scena per trasformare completamente il senso di un racconto. È una responsabilità enorme, specialmente quando lavoriamo con immagini reali, persone reali e situazioni che toccano corde emotive.

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La scelta del campo, del piano o dell’angolazione non deve quindi essere casuale. L’obiettivo è capire che cosa è essenziale per chi segue la storia e trovare il modo più interessante per trasmetterlo.

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